Сценарий музыкального вечера«Музыкальные картинки XX века»Клинова Светлана АлександровнаНовак Светлана ГеоргиевнаГБПОУ «Нижегородский областной колледж культуры» г.Борпреподаватели(звучит музыка С. Рахманинов Концерт №2)Россия конца 19 - начала 20 ввЕще жив Чайковский, преподает Римский –Корсаков, но не доживает Мусоргский и Бородин. На смену им приходят ученики, наследники и продолжатели их традиций: С.Танеев, А.Глазунов, С.Рахманинов, Скрябин. Но как ни близки они своим учителям, в их творчестве ясно чувствуются новые вкусы.Вот как состоялась встреча двух поколений, двух эпох русской музыки на рубеже веков-встреча П. И. Чайковского и С. РахманиноваПриехал Рахманинов, чтобы пригласить Чайковского на премьеру оперы «Алеко» в Большом театре. Просмотрев клавир оперы, Чайковский сказал: - Не говоря о мелодической свежести, меня удивляет техническая зрелость. Ведь вам только 20 лет. Когда вы успели этому научиться?Рахманинов привез 5 своих пьес для фортепиано и подарил их Чайковскому. Пьесы очень понравились, особенно Элегия. Молодой композитор сыграл еще несколько своих пьес, написанных недавно. Играл он удивительно, обладая в высшей степени умением гипнотического воздействия на слушателя. Уже тогда это был подлинный кудесник фортепиано. -Вы молодец, - сказал Чайковский. –Продолжайте работать по –прежнему. Вы большой талант. А вот я, несчастный бездельник, прибавил он, -за все лето написал только одну симфонию…С. Рахманинов. «Элегия» Вслед за московской славой пришла к Рахманинову слава всероссийская, а затем и мировая. Но Сергей Васильевич оставался всё тем же простым, скромным человеком, немного угрюмым и замкнутым внешне, а в действительности бесконечно обаятельным, добрым и сердечным. Обладая прекрасным чувством юмора, он любил весёлую шутку, любил, когда вокруг него звучал непринуждённый смех.Сейчас прозвучит еще одна пьеса, написанная 20-летним Сергеем Рахманиновым .С. Рахманинов «Юмореска» 1906 год запомнился семье Рахманиновых увлекательным отдыхом в Италии. В один из вечеров к даче подошли уличные музыканты. Итальянец с тростью, его жена, ребёнок и чудесный ослик. Они везли большую шарманку, которая начинала играть потрясающую по колориту музыку. Мужчина отлично пел и танцевал, выступление получилось по-настоящему красочным. Итальянский мотив польки крепко запомнился композитору, Рахманинов, имеющий потрясающую музыкальную память, по приезду на Родину первым делом записал услышанную мелодию. Запись была произведена для фортепиано в четыре руки и имела название «Итальянская полька». Сергей Васильевич Рахманинов любил это сочинение, поэтому вместе с женой в четыре руки они часто исполняли «Итальянскую польку» на семейных вечерах.С. Рахманинов. Итальянская полька.С. Рахманинов был продолжателем романтизма в музыке и оставался верен ему почти до конца жизни. Копылов Александр- еще один представитель позднего романтизма. Учитель церковного пения, преподавателя скрипки и фортепиано Придворной певческой капеллы, автор многочисленных духовных произведений для хора, церковных богослужений.Александр Копылов был хорошо известен всем участникам Беляевского кружка. Во-первых, благодаря близкому профессиональному общению с Римским-Корсаковым, во – вторых, он превосходно играл на скрипке и принимал участие в квартетных вечерах кружка. Сам Беляев оказывал поддержку Копылову как композитору.Многолетняя преподавательская деятельность подтолкнула Александра Копылова создать два цикла с детской тематикой. Одна из пьес называлась К. Александр «Детский сон»Поздний романтизм в лице Рахманинова, Метнера, Копылова еще продолжал свое шествие, то уже в начале 20 века в России и Западной Европе классическая форма музыки начинала распадаться. Начинают свои музыкальные эксперименты авангардисты и модернисты.1908 год считается началом атональной музыки, Начинаются первые опыты с электромузыкой. В США изобретают — первый в мире электромузыкальный инструмент: телармониум, 1910 год - грамзапись арии, исполненной итальянским певцом Карузо, и проданная миллионным тиражом –явилась началом индустрии в ее сегодняшнем виде, когда союз звукозаписывающих компаний и концертных агентств «делают звезд» музыки.1911 ГОД -Зарождение мультимедиа. Скрябин, обладающий, как нередко бывает среди музыкантов, «цветным слухом» в музыкальной поэме «Прометей» (или «Поэма огня») применяет «световую клавиатуру» в качестве своего рода индикатора тональности.1913 ГОДВ музыку входит шум и грохот. На мировую арену выходят футуристы, которые требуют «сбросить Пушкина, Достоевского, Толстого и прочих, и прочих с Парохода Современности.» Начавшаяся революция в искусстве переросла в 1917 году в Октябрьскую революцию в России. Мы знаем, что большевики, пришедшие к власти, отвергали всю культуру прошлого. Революционеры строили новый мир. Новую культуру.С 20-х годов начинается эмиграция деятелей культуры. СССР покидают Рахманинов, Стравинский, Прокофьев, Шаляпин …Но были и другие музыканты, которые остались в Советской России. Многие из них, искреннее принявшие идеи революции, стремились построить новую музыкальную культуру.Таким музыкантом являлся Рейнгольд Глиэр. Пожалуй, это единственный композитор трижды награждённый самой престижной музыкальной премией дореволюционной России – премией имени М. И. Глинки, и лауреат трёх Сталинских премий. Глиэр- автор музыки гимна Ленинграда, сын немца, эмигрировавшего в Россию и поселившегося в русском городе Киеве.Для молодого музыканта Глиэра встреча с Чайковским, приехавшим в Киев с гастролями, как для Рахманинова и других молодых музыкантов стала решающей в жизни. Даже мимолетная встреча с великим маэстро оставили у юного скрипача Глиэра незабываемые на всю жизнь яркие впечатления, предрешившие его дальнейшую судьбу. У Рейнгольда появилась мечта стать композитором. И он неуклонно ей следовал.Р.Глиэр. Прелюдия Ми-бемоль мажорГлавным в своих сочинениях Глиэр считал мелодию, которая должна исходить только из сердца, поэтому произведения этого композитора отличаются необыкновенной проникновенностью и трогательной лиричностью.Р.Глиэр «Вальс» Рейнгольд Глиэр был не только талантливым композитором, но и замечательным педагогом. Среди первых учеников Глиэра, с которыми он занимался в начале своей преподавательской карьеры, был Сергей Прокофьев. «Как-то так выходит, что кого из композиторов ни спросишь, он оказывается учеником Глиэра – или прямым, или внучатым», – писал Сергей Прокофьев. К ученику Глиэра Сергею Прокофьеву мы еще вернемся. Рейнгольд Глиэр непосредственно участвовал в создании традиций советской музыкальной классики. В 30-ые годы 20 века были созданы: Союз советских композиторов, Всесоюзный радиокомитет.Новый культурный статус получила художественная самодеятельность. Стали открываться клубы, дворцы культуры, парки культуры и отдыха.Создавались высокопрофессиональные исполнительские коллективы: Государственный симфонический оркестр СССР, Государственная хоровая капелла, Государственный хор СССР, Государственный оркестр народных инструментовОткрылась Студия «Мосфильм», которой в этом 2024 году исполнилось 100 лет. Началась эра звукового кино. Появился такой жанр как киномузыка, в котором пробовали свои силы многие композиторы Советского Союза. «Дунаевский – вот одно из тех имен, которые будут помнить всегда!» — именно такое мнение о Исааке Дунаевском прозвучало из уст его французского коллеги – Мишеля Филиппа-Жерара. Дунаевский написал музыку к трем десяткам кинокартин, (Веселые ребята, Цирк, Дети капитана Гранта) и множества популярных песен. (Был отважный капитан, песня о веселом ветре)Исаака Дунаевского часто называли советским Моцартом, за пленительную мелодичность его музыки, за легкость и игристость, напоминающую бокал шампанского, за глубокую лирику, полюбившуюся слушателям. Его жизнеутверждающие песни пели на концертах, с экранов телевизоров, на улице и практически в каждом доме. Дунаевскому удалось совершить настоящий переворот в жанре «легкая музыка», его мелодии «дышали» классикой, джазом и народными напевами«ЗВАТЬ ЛЮБОВЬ НЕ НАДО»Из кинофильма "Моя любовь" Музыка Исаака ДунаевскогоСлова Анатолия Д'Актиля Пока СССР строил свою социалистическую культуру, мировой музыкальный центр переместился в США.К 1938 году годы композиторы и исполнители, не желавшие сотрудничать с гитлеровским режимом. уехали из Германии и Австрии в Америку. В 1940 году в США сконцентрировались эмигранты не только из Германии и Австрии, но и из Венгрии, а также из оккупированных стран. Весь цвет европейской культуры оказался в стране, которая только еще строила свою национальную композиторскую школу. За Америкой окончательно закрепляется статус мировой державы не только в области развлекательной, но и академической музыки. Сейчас прозвучат несколько пьес американских композиторов.Уильям Гилок-американский музыкальный педагог, известный своими многочисленными педагогическими фортепианными сочинениями. Из-за мелодической выразительности его музыки его иногда называют "Шубертом детских композиторов".[1]Уильям Гилок «Капричиетта»Мы знаем, что Америка является родиной джаза. ДЖАЗ- направление в музыке, которое возникло в США в самом начале XX века. В нем тесно переплетаются ритмы, обрядовые песнопения афроамериканцев, а также гармоническая составляющая, присущая музыке белых переселенцев. Послушайте популярную композицию джазового саксофониста и композитора Пол Дезмонда, написанную в стиле Кул-джаз («спокойный», «прохладный» ) , возникший в конце 1940-х годов на Западном побережье США.Пол Дезмонд «Take Five» (попробуем на пять)Другой американский композитор Ли Ивэнс убежден, что джазовую технику игры на фортепиано нужно изучать аналогично классической. Ли Ивэнс написал ряд разработок по технике игры джазового пианиста, направленных на освоение различных элементов джаза. Слушаем пьесу из сборника Ли Ивенса «Ритмы джаза в игре на фортепиано» «Моя оркестровка лучше, чем у Бетховена, и у меня есть лучшие, чем у него, темы. Но — он родился в стране вина, а я в стране, где властвует кефир». Кому бы могло принадлежать столь меткое замечание? Скорее всего, острослову, весельчаку и душе компании. Он выступает с концертами в странах Европы, его музыка звучит в США.Это Ян Сибелиус –главный композитор Финляндии. Появление у такого небольшого народа композитора мирового уровня, в фокусе внимания которого – финский эпос и герои фольклора, не могло не превратить Сибелиуса в национальный символ еще при жизни. Он с детских лет преклонялся перед природой, а его дом не имел ни водопровода, ни электричества, чтобы посторонние звуки не отвлекали его от работы. Его любимым времяпрепровождением были прогулки в окрестностях Айнолы в сопровождении шума леса и пения птиц.Я.Сибелиус «Ель» из цикла «Деревья» (Звучит песня Священная война)1941 год. Великая Отечественная Война стала самым суровым испытанием для нашего народа. Победа ковалась на фронтах и в тылу нашей огромной страны. Вместе с солдатами на фронте и рабочими в тылу в строй встала... и песня. Песня помогла выстоять народу и победить, она стала грозным оружием, не позволившим сломить дух советского народа. В самом начале войны советскими композиторами были созданы сотни новых песен, многие из которых сразу «ушли на фронт». Священная война, Вечер на рейде, Катюша, Синий платочек …Создавались фронтовые концертные бригады, в которых участвовали известные музыканты – Л. Утесов, К. Шульженко, пианист Эмиль Гилельс, скрипач Давид Ойстрах, С. Лемешев, Л. Русланова. Живя в отрыве от родины, музыканты из эмиграции также переживали за судьбу России, за русских людей.Известно, что в дни Великой Отечественной войны Сергей Рахманинов давал концерты в США, сбор с которых поступал в фонд обороны Советского Союза. Известно также его письмо на родину, сопровождавшее посылку этих средств: «От одного из русских посильная помощь русскому народу в его борьбе с врагом. Хочу верить, верю в полную победу».В блокадном Ленинграде советский композитор Дмитрий Дмитриевич Шостакович начал писать свою Седьмую симфонию, которую назвали «Ленинградской». (музыка Фашист марш 1 часть)Несмотря на то, что самая первая премьера Ленинградской симфонии состоялась в марте 1942 года в Куйбышеве (нынешняя Самара), самое известное во всем мире исполнение Седьмой симфонии было в блокадном Ленинграде. 1000 жителей города пришли 9 августа 1942 года в Большой зал филармонии, чтобы послушать ее. Она подняла дух людей, дала веру в светлое и мирное будущее.(запись музыки 1 часть) Кадры Это грандиозное произведение, воспевающее непобедимость русского народа, признавалось лучшим сочинением современности.Когда Дмитрий Дмитриевич Шостакович был маленький, ему приснился сказочный сон. Будто бы он забрел на чердак своего дома. Среди старых забытых вещей он нашел огромный, покрытый паутиной и пылью сундук.В нём было множество разных предметов - сундук был наполнен самыми разными куклами. Здесь были куклы из детского кукольного театра, которые одевались на руку и оживали. А на самом дне лежала кукла необыкновенной красоты. Она напоминала сказочную Фею.Зазвучала чудесная музыка. Она была такой волшебной, что нельзя было не восторгаться ею.Услышав эту музыку, Фея-кукла, вдруг словно проснулась ото сна, ожила и стала танцеватьД.Шостакович «Вальс-шутку» из сюиты «Танцы кукол» Позже, став композитором, Шостакович воплотил свой сказочный сон в музыке, так появился детский альбом «Танцы кукол», который композитор посвятил своей дочери Галине.Шостакович - первый композитор СССР, который стал специально писать музыку к фильмам ещё в те времена, когда кино было немым, и его озвучивали тапёры. В середине 50-х был снят фильм "Овод" по одноимённой книге Войнич. Красивую сентиментальную мелодию из этого фильма, написанную Дмитрием Шостаковичем, непрерывно транслировали по советскому радио, а ансамбль скрипачей Большого театра играл ее на всех официальных концертах. Д.Д. Шостаковича «Романс» из кинофильма «Овод» Музыку для кино и театра писали почти все советские композиторы. Особое место в их творчестве занимала музыка для детей.Арам Хачатурян, имея за плечами богатый композиторский опыт, много писал для детей. студентом Музыкального техникума имени Гнесиных, Арам Хачатурян с удовольствием вёл музыкальные занятия в детском саду и армянской школе. Он импровизировал песни и танцы, музыкальные загадки, игры, устраивал целые музыкальные "экскурсии в зоопарк", отражая на фортепиано характер разных зверей. Дети были в восторге.Пьесы "Детского альбома" посвящены детям и племянникам композитора. В них отражены детские игры и развлечения ("Скакалка», "Барсик на качелях", "Игра на бубне") Своей старшей дочери Нуне, которая стала пианисткой, композитор посвятил довольно сложную фугу и пьесу "Подражание народному", в которой Хачатурян отразил колорит и интонации армянской музыки.Арам Хачатурян «Подражание народному»Рита – старшая племянница Арама Ильича с самого раннего детства хорошо рисовала. В три года она осталась без матери. Отец погиб на фронте. И Арам Ильич воспитал Риту. Она стала художницей. Ей посвящена пьеса «Музыкальная картина», рассказывающая весьма серьезно о художественных увлечениях девочки, ее сосредоточенном внутреннем мире. Арам Хачатурян «Музыкальная картина» И мы возвращаемся к личности композитора Сергея Прокофьева, звезда которого восходила уже в годы первой мировой войны. Прокофьев с юности любил стильно и ярко одеваться. Он носил желтые ботинки, полосатые брюки, трость и всевозможные головные уборы. Сергей Сергеевич любил не только производить впечатление, но и шокировать — отсюда его экстравагантные костюмы, манера общения и даже стиль игры на фортепиано, который, особенно в ранние годы, мог шокировать слушателей напором энергии и громкими диссонансами.«Моя музыка-сплошной стихийный ряд ударов судьбы, дикий вихрь»- писал Прокофьев.“Нет повести печальнее на свете, чем музыка Прокофьева в балете”. Эта ироничная поговорка возникла во время постановки балета «Ромео и Джульетта» Сергея Прокофьева по трагедии Шекспира. Лишь постепенно всё это сменилось восторженным отношением артистов, а затем и публики к музыке. Сам автор на основе музыки балета создал фортепианный цикл из десяти пьес. Открывает цикл пьеса «Джульетта - девочка». Уникальность подобного образа-портрета заключается в соединении здесь разных времен: настоящего и будущего. Как великий психолог, Прокофьев проникает в тайны жизни и судьбы, угадывая основные этапы человеческой жизни в чертах характера. С. Прокофьев «Джульетта- девочка» Главным танцем аристократического общества – собирательным портретом этого мира, уверенного в своей правоте и незыблемости обычаев, является «Танец рыцарей» из первого акта (в сюите для фортепиано он назван «Монтекки и Капулети»). Тяжеловесный, помпезный, воинственный, он воссоздаёт дух мрачного средневековьяС. Прокофьев «Монтекки и Капулети» Современники часто сравнивали Сергея Прокофьева с солнцем — из-за беззаботного, легкого характера, манеры общения, любви к шуткам, каламбурам, остротам. «Чем я бодрей, тем я счастливей. Идеал бодрости, по-моему, — муха в солнечный день. Это смешно, но я часто об этом думаю, глядя на них летом. Вот она, настоящая жизненность, а не вялое прозябание»-писал Прокофьев в своем дневнике.(афиша оперы)Как яркий взрыв веселья и смеха посреди войн, эпидемий и мировых катаклизмов стала опера Прокофьева «Любовь к трем апельсинам».  Тема оздоровляющего смеха была особенно актуальна. В мире бушевала эпидемия испанки, а главный герой оперы — больной принц, излечить которого мог только смех.С. Прокофьев. Марш из оперы «Любовь к трем апельсинам» Веселым жизнеутверждающим маршем мы завершаем наш проект.Музыкальные картинки, которые прозвучали в нашем сегодняшнем проекте, это лишь малая крупица огромного музыкального наследия 20 века. Музыка, которая стала современной классикой, продолжает воспитывать, волновать и вдохновлять нас, живущих в 21 веке.Спасибо за внимание! До новых встреч!